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NUESTROS
PROGRAMAS
En este espacio pueden consultar los programas de concierto que Il Gesto Armonico ofrecemos
LA RIVELAZIONE ITALIANA
Roma, 1707. Händel y Scarlatti comparten ciudades, mecenas e inspiración. Un joven alemán hambriento de gloria y un maestro italiano consagrado cruzan caminos en una Italia efervescente, donde el oratorio sustituye a la ópera y la música florece entre palacios y capillas.
Este concierto reconstruye aquel momento irrepetible con sonatas, cantatas y fragmentos de óperas y oratorios, en un viaje sonoro que evoca el esplendor de las principales ciudades de la Italia barroca.
Dos compositores. Cuatro ciudades. Seis músicos. Un repertorio irresistible para el público de hoy.
Una propuesta vibrante, con rigor histórico y atractivo emocional; una experiencia musical cautivadora que conecta con la emoción, sorprende al público y aporta carácter a cualquier programación.
Víctor Jiménez Díaz, contratenor
Laura Sintes, traverso
Eva Febrer, violín barroco
Dimitri Kindynis, violonchelo barroco
Joan Benejam, cuerda pulsada
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PAPA HAYDN
“Papa Haydn”, tal y como se le conoce por sus importantes aportaciones a la consolidación de la sinfonía y el cuarteto de cuerda, pasó gran parte de su vida en Austria, para desarrollar, posteriormente, el resto de su carrera como músico de corte para la familia Esterházy, una de las más ricas y grandes de la aristocracia húngara. Entonces, ya era el compositor más célebre en toda Europa.
En el repertorio que ofrecemos en este programa se reflejan algunas de las piezas más conocidas y características del repertorio cambrístico de Haydn; que, a su vez, sirven de espejo hacia una nueva época, en la que el advenimiento de las clases medias burguesas dio paso a un nuevo público que anhelaba encontrar nuevos divertimientos.
Así pues, nos trasladamos a través de este programa al que podría haber sido una velada cualquiera en uno de los salones privados del Clasicismo.
Laura Sintes, traverso
Eva Febrer, violín
Dimitri Kindynis, violonchelo
RENCUENTROS EN WURTEMBERG
El programa que presentamos gira en torno a la figura de dos intérpretes y compositores procedentes de una familia de músicos que desarrollaron una intensa actividad en el período de finales del Barroco, y que supuso una de las pocas producciones musicales catalanas del Rococó: los hermanos Pla, quien después de haber servido como músicos en la corte española de Felipe V, comenzaron su aventura europea hasta llegar a la corte del duque Carlos I Alejandro de Wüttemburg en Stuttgart, donde fueron nombrados Cammermusicus y miembros de la famosa orquesta dirigida por el también compositor Niccolò Jommelli, y donde conocieron al compositor Ignaz Holzbauer, quien era maestro de capilla de la catedral de Stuttgart desde 1750.
La fama de la que gozaron en toda Europa los dos hermanos concertistas, inscrita en un momento en que los conciertos públicos iban adquiriendo importancia social y comercial unida al crecimiento de la música doméstica, dio como resultado una considerable difusión de sus composiciones.
Laura Sintes, traverso
Eva Febrer, violín
Dimitri Kindynis, violonchelo
PLAY BACH
Durante el período barroco (aproximadamente 1600-1750), la práctica de reutilizar y adaptar material musical era habitual y se consideraba una técnica creativa legítima.
Los compositores, incluido Johann Sebastian Bach, a menudo reciclaban temas, movimiento e incluso obras completas, tanto propias como de otros autores. Esto se debía a varios factores pragmáticos, reutilizar material les permitía ahorrar tiempo, sobre todo en la producción constante de música para la liturgia o la corte; pedagógicos, las transcripciones a menudo servían para la enseñanza
de la técnica instrumental y la comprensión del contrapunto; y artísticos o estéticos, ya que los compositores aprovechaban las adaptaciones para explorar materiales musicales en distintos contextos y formas.
Bach era un maestro en este aspecto, muchos movimientos de sus
cantatas fueron adaptados como piezas instrumentales y viceversa.
El programa de concierto que presentamos, PlayBach, pone de relieve estas prácticas, mostrando cómo algunas de las obras del conocido compositor Johann Sebastian Bach se transformaban y evolucionaban según el contexto interpretativo.
Laura Sintes, traverso
Eva Febrer, violín
Dimitri Kindynis, violonchelo
LA JOYA DE LA CORONA: LA FLAUTA CLÁSICA EN CONCIERTO
La flauta travesera ha sido, durante todo el siglo XVIII, un instrumento muy apreciado en la nobleza europea. Durante el Clasicismo, las mejoras en la construcción del instrumento van dirigidas a extender la tesitura del instrumento hacia el agudo y facilitar la obtención de ciertas alteraciones mediante la adición de claves. Entre 1726 y 1847 aparecieron gran cantidad de mejoras y nuevos mecanismos, ya que la flauta necesitaba tocar partituras cada vez más cromáticas y cada vez con mayor volumen, debido al aumento de componentes de la orquesta.
En el programa que presentamos hemos incluido algunos de los cuartetos más representativos para este instrumento, de la mano de dos grandes compositores que suponen el exponente del Clasicismo: Mozart y Haydn.
TAFELMUSIK I CON SIGISWALD KUIJKEN
La expresión “Tafelmusik”, o música de mesa, se refiere al variado repertorio de música expresamente compuesta para acompañar a banquetes, en especial en los siglos XVI y XVII, ya fuera como música de fondo, en los entremeses, al inicio o en la sobremesa.
La mesa musical de Georg Philipp Telemann no es sólo la colección de música más conocida del compositor, sino que también se ha convertido en el emblema de una larga y rica tradición de Tafelmusik. La obra completa, que consta de 3 volúmenes, consiste en más de cuatro horas de música instrumental, la cornucopia de la colección de estilos y orquestación es irresistiblemente similar a una mesa llena de todo tipo de delicias culinarias.
Laura Sintes, David Gutiérrez, traverso
Daniel Ramírez, oboe
Sigiswald Kuijken, Eva Febrer, Ester Pons, Margalida Gual, violines
Marleen Thiers, viola
Dimitri Kindynis, violonchelo
Sigiswald Kuijken, violonchelo da spalla
Mireia Ruíz, clave
DIRECCIÓN MUSICAL: Sigiswal Kuijken
LOS SONIDO DE LA LEYENDA NEGRA. LA CONJURACIÓN DE VENECIA
Venecia. Madrugada del 19 de mayo de 1618. Los canales se llenan de cadáveres y las calles, de cuerpos colgados. Una hoguera arde dos muñecos que ansían personificar al duque de Osuna, virrey español de Nápoles, y al poeta Francisco de Quevedo, su secretario. Es el resultado de la enigmática y confusa intriga diplomática entre la Monarquía Hispánica de Felipe III y la Serenísima República de Venecia: la Conjuración de Venecia.
El programa que presentamos se inspira en la niebla musical de esta primavera veneciana de 1618, a modo de banda sonora de la controvertida Conjuración de Venecia, incluyendo compositores de las dos penínsulas que vivieron ese momento a su modo y en circunstancias diversas.
Joana Bibiloni, soprano
Laura Sintes, traverso
Eva Febrer, violín
Dimitri Kindynis, violonchelo
Ferran Pisà, cuerda pulsada
LUIGI BOCCHERINI. DE LOS LUJOS EN BOADILLA A LAS MISERIAS EN LAVAPIÉS
Luigi Boccherini (Lucca 1743-Madrid 1805) fue un violonchelista y compositor italiano que perteneció auna familia de artistas: su padre Leopoldo era contrabajista; su hermano Giovanni Gastone, libretista de varias óperas (entre las que se cuentan algunas de Antonio Salieri y Haydn); y su hermana, bailarina.
Después de toda una etapa de formación que le llevó a Roma ya Viena y de varias giras europeas con el cuarteto de cuerda que él mismo había creado, algo excepcional en la época, acabó en París donde publicó algunas de sus obras de música de cámara que se estrenaron en los conocidos Concert Spirituel.
El Embajador de España en París, Joaquín Anastasio Pignatelli, quedó tan impactado por la música de Boccherini, que le convenció para visitar Madrid, prometiéndole un trabajo estable bajo la protección y mecenazgo del Niño Luís Antonio de Borbón y Farnesio, hermano pequeño del Rey Carlos III. El amor precipitó la decisión del compositor: se había enamorado de Clementina Pelliccia, una cantante que actuaba en una compañía boloñesa de ópera que se dirigía a España.
El lenguaje de Boccherini se caracterizó por una refinada técnica de cuerdas, sobre todo en el violonchelo, y el control de la textura, que llegó a funcionar como moldes donde se inserta la melodía y la armonía, dando la impresión de dibujos que van cambiando cada cierto número de compases.
Laura Sintes, traverso
Ignacio Ramal y Fèlix Ferrer, violines
Eva Febrer, viola
Dimitri Kindynis, violonchelo
A THOUSAND WAYS
“A Thousand Ways” es una selección de las mejores canciones y arias de ópera escritas para la voz de contratenor por el compositor probablemente más relevante de la historia de la música propiamente inglesa: Henry Purcell (1659-1695).
“A Thousand Ways” es un viaje musical por toda esta obra, junto a la emoción y la magia intrínsecas en la música inglesa y, muy especialmente, en la de Purcell, que nos propone redescubrir joyas poco conocidas de su catálogo, escuchar también a otras más conocidas y consolidadas; y recorrer todos los ámbitos en los que se movió el compositor, desde piezas dedicadas a los monarcas para los que trabajó, hasta música religiosa, pasando por la música incluida dentro de sus piezas dramáticas más famosas.
Le invitamos a acompañarnos en este viaje al mundo de Henry Purcell.
Más información sobre Víctor Jiménez Díaz:
http://victorjimenezdiaz.com/
Víctor Jiménez, contratenor
Laura Sintes, traverso
Eva Febrer, violín
Dimitri Kindynis, viola da gamba
Maike Burgdorf, tiorba
Mireia Ruíz, clavecín
DANSERIE RENAISSANCE
El programa que presentamos gira en torno a una de las artes estrechamente ligadas a la música durante el Renacimiento: la danza.
El siglo XVII fue testigo de la aparición de grandes maestros de danza y coreógrafos en toda Europa, sobre todo en Italia. De esta época datan los diversos tratados de danza y recopilaciones de coreografías que permiten a los estudiosos acercarse y reconstruir los movimientos que acompañaban a la música para danza. Gracias a la obra de grandes maestros como Domenico de Piacenza, con quien la coreografía se convirtió en un oficio profesional; Guglielmo Ebreo da Pesaro, su discípulo y continuador; y los prolíficos Fabritio Caroso (1526-1620) o Cesare Negri (ca. 1535-ca.1605); que trabajaban para las familias gobernantes de las distintas ciudades-estado, el mundo de la danza histórica y su notación recibió un gran impulso. El Renacimiento es la época de la aparición de un vocabulario coreográfico, de la investigación y la innovación en los sistemas de notación, y en la proliferación de estilos de danza diferenciados, sobre todo entre Italia y Francia.
Las danzas en Francia en el mismo período tenían otro carácter, según los testimonios escritos que han quedado. Mientras que en Italia abundaban más las danzas para parejas, con un nivel técnico alto, de autores conocidos y se vislumbraba cierto academicismo y escolarización; en Francia las danzas que aparecen en descripciones y tratados tenían en ese momento un cariz más participativo y coral, con un nivel técnico accesible y de autores desconocidos, lo que denota un carácter más popular.
Entre los tratados franceses, cabe destacar el Orchésographie, escrito por Thoinot Arbeau en 1589. Este autor, anagrama de Jean Tabourot, era un clérigo de Langres que editó un compendio en el que hacía una descripción detallada de muchas danzas del momento, incluyendo las partituras correspondientes. Precisamente este autor y este tratado son los ejes centrales de la segunda parte del programa, en la que, guiados por un ama de danza, se propone un baile renacentista durante el cual todo el que lo desee podrá experimentar lo que sería una velada de danza en el más puro estilo del Renacimiento.
LA RÉGLE D'OR. EDICIONES CON GUANTES DE ENCAJE
En la vida musical, la función de los compositores y compositoras y de los y las intérpretes es evidente, remarcada y conocida. Aun así, hay todo un gremio de profesionales que han pasado inadvertidos en la historia de la música: los editores musicales.
Han sido muchas las empresas e imprentas que nos han dejado la
cantidad de publicaciones y partituras de la que se dispone en
la actualidad. Nombres tan conocidos e importantes a lo largo de la historia como Christophe Ballard en Paris, John Walsh en Londres o Etienne Roger en Ámsterdam han contribuido de manera notable a la difusión de la música impresa de su momento a través de sus negocios familiares que han ido pasando de generación en generación, funcionando como grandes dinastías.
Pero, incluso con una simple mirada precipitada a los editores de música durante este período revela un fenómeno interesante: cuando moría un editor, no era extraño que su viuda continuara el negocio. Era una situación inverosímil en el mundo profesional de momento. Era una época en la que las viudas se podían ver vertidas en la ruina después de la muerte de sus maridos.
Ante esta situación, tenían dos salidas: vender las acciones restantes a otra editorial por recibir fondos para vivir, o continuar con el negocio. Este programa está dedicado a todas viudas que decidieron continuar con el legado familiar, convirtiéndose en punteras de empresas exitosas e influyentes en el mundo musical.
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